„Das Stück begeistert auf jeder Ebene. Kowańskas Text ist witzig und geistreich; Knapik hat ihn mit Leichtigkeit und Elan inszeniert. Die kindlich-rötliche Maske, die kitschig-skandinavischen Kostüme von Klaudia Hegab, die Musik von Szymon Lechowicz und Knapiks provisorisches Bühnenbild schaffen eine verrückte Bühnenwelt.

Dieses Stück anzusehen ist ein reines Vergnügen. Ein riesiges Vergnügen!“

„Knapik und Kowańska stecken mich mit ihrer Achtsamkeit an – für wiederkehrende Gesten, kleine Spannungen, Muster, die ich auf der Bühne sehe. Ihr Theater lässt sich nicht so leicht vergessen. Es geht unter die Haut und bleibt dort, wo die Rolle normalerweise endet. Very Ibsen begeistert durch seine Form, überrascht durch seine Unvorhersehbarkeit und bringt uns aus unserem sicheren, geliebten Gleichgewicht – aus der Art und Weise, wie wir gelernt haben, über Theater zu denken, und die wir uns immer noch abgewöhnen müssen. (…) Knapik und Kowańska stecken mich mit ihrer Achtsamkeit an – für wiederkehrende Gesten, kleine Spannungen, Muster, die ich auf der Bühne sehe. Ihr Theater lässt sich nicht so leicht vergessen. Es geht unter die Haut und bleibt dort, wo die Rolle normalerweise endet. „Very Ibsen“ begeistert durch seine Form, überrascht durch seine Unvorhersehbarkeit und bringt uns aus unserem sicheren, geliebten Gleichgewicht – aus der Art und Weise, wie wir gelernt haben, über Theater zu denken, und die wir uns immer noch abgewöhnen müssen.“

„Ich muss ehrlich zugeben, dass ich schon lange kein so dichtes Stück wie ‚Very Ibsen‘ gesehen habe. Nun, vielleicht könnte ‚Paprykarz szczeciński‘ von Michał Kmiecik und Marcin Liber in dieser Kategorie Konkurrenz bieten – zufällig wird es ebenfalls im Teatr Współczesny in Stettin aufgeführt (…). Über die Schauspielertruppe des Stettiner Theaters könnte man einen eigenen Text schreiben, aber eines muss gesagt werden: Sie sind fantastisch. Bei den so rasant wechselnden Stilen, die dieses Stück vorgibt – zwischen Groteske, Gruppentherapie, Drama und Parodie – ist es eine wahre Kunst, das Tempo und die dramaturgische Konsequenz aufrechtzuerhalten, und alle – Arkadiusz Buszko, Julia Gadzina, Iwona Kowalska, Michał Lewandowski, Kacper Kujawa und Joanna Matuszak – schaffen das. Übrigens würde ich sehr gerne einmal ein Stück darüber sehen, was im Kopf eines Schauspielers vor sich geht, der im Rahmen einer einzigen Aufführung so viele Figuren, Tonlagen und Sprachen unter einen Hut bringen muss.

Denn schließlich ist das Darstellen vieler Figuren in einem Stück ein wiederkehrendes Thema in unserem Theater, auch aus besetzungstechnischen und wirtschaftlichen Gründen. Hier, so habe ich den Eindruck, wird auch versucht, diesen Prozess zu thematisieren, aber man sehnt sich geradezu nach mehr. Abschließend möchte ich noch sagen, dass solche Inszenierungen für eine Kritikerin einfach ein Vergnügen sind – ein Spiel mit der Entdeckung von Bedeutungen, dem Aufspüren der Pfade, auf denen uns die Schöpferinnen führen wollen. Schließlich ist das unsere Aufgabe: nach Bedeutungen zu suchen, in Strukturen zu wühlen, uns dem Theater hinzugeben und es gleichzeitig zu entwaffnen. Es ist fantastisch, dass es noch Theater gibt, das das Denken in Schwung bringen kann, und dass es sich gerade in Stettin befindet.“

„Das Schauspiel basiert auf Distanz, mechanisierten Bewegungen und Entfremdung. In einigen Szenen wird den Figuren eine zuvor aufgenommene Stimme mit einem anderen Klang unterlegt, was die Distanz zwischen den Schauspielern und ihrer Rolle unterstreicht. Die Glaubwürdigkeit der Figuren wird bewusst auf die Probe gestellt: Die Schauspieler spielen nicht nur Ibsen-Rollen (manchmal sogar mehr als eine), sondern äußern sich auch als Mitarbeiter des Theaters in Stettin und teilen ihre Gedanken über die von ihnen verkörperten Figuren. Kowańska und Knapik spielen geschickt mit den Kontexten von Ibsens Texten, der Verflechtung der Biografien der dramatischen Figuren, ihren zeitgenössischen Interpretationen und Elementen der norwegischen Kultur. Darin liegt eine gewisse Distanz zu sich selbst und zum Material. Ein Beispiel dafür ist die Szene, in der die Figuren aus „Gespenster“ Vampirzähne anlegen. Der Humor ist vielfältig: von absurd über intellektuell anspruchsvoll bis hin zu derb, wie bei Rabelais. (…) Wie die Autorinnen im Programmheft mitteilen, war es ihr Ziel, eine Welt zu konstruieren, die ein Glied in der Kette des kollektiven Gedächtnisses bildet. Daher nicht nur Ibsen, sondern auch Lew Tolstoi, Edvard Munch oder Nikolai Astrup. Schriftsteller, Musiker und Maler kehren wie Gespenster aus der Vergangenheit zurück, die die Gegenwart diktieren und die Zukunft bestimmen. Glücklicherweise wird diese ganze postmoderne Intertextualität nach und nach durch Lachen durchbrochen. Je mehr Konzepte die Zuschauer entschlüsseln, desto mehr Spaß werden sie haben.“